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Esta entrada tiene cierto significado para mi, pues ha salido de la Gracia que un argentino realizo en el año de 1968. Vía Taringa me vine a enterar de una película con el sugestivo titulo de Carne. Esta cinta, dirigida Por Armando Bo, nos narra las alegres aventuras de Delicia, una pulposa obrera de frigorífico, que es acosada por El Macho, quien la viola y luego la obliga a servir sexualmente a sus amigotes. Dramón ultra bizarro por donde se lo mire. Sobretodo por que al ser una película de 1968, destaca enormemente por la NO CENSURA de sus muy explicitas escenas de sexo.
Pero ¿hacer una entrada por el gusto de hablar de una vieja película erótica? No, no es mi estilo. realmente este film me intereso pues -sorpresa, sorpresa- esta basada en una de las películas de cine experimental mas controversiales de todo el tiempo. Hablo de Meat, de Andy Warhol, parte de una trilogia de la que -gracias a La vida no imita al arte- parafraseo a continuación.
Estas cintas producidas por el artista pop, Andy Warhol, y dirigidas por Paul Morrissey, forman una trilogía sobre la vida cotidiana de unos personajes que deambulan por la vida con motivaciones muy primarias (drogas, sexo, éxito) a las que sublimarán todo lo demás. Como escribió Susan Sontag, el ideal de Warhol en sus películas es el de rodar hechos reales en tiempo real, como demostró en cintas como Sleep (1963) en la que podemos ver a un hombre durmiendo durante seis horas, o en Empire (1965), donde nos ofrece ocho horas de grabación desde lo alto de un edificio.
Después de un encontronazo con una guionista que intentó matarle, Warhol cedió las riendas de su factoría cinematográfica a Morrissey, quien pasó así a un primer plano que antes no tenía, con la dirección de esta trilogía, además de Blood for Dracula y Flesh for Frankenstein.
Las tres películas que nos ocupan tienen en común a Joe Dallesandro, quien empezó su carrera posando desnudo en revistas, y así se le puede ver durante muchos minutos en las películas de Warhol, consiguiendo una cierta fama en los circuitos underground. Secundario en Cotton Club y en Cry Baby, son sus dos apariciones cinematográficas de mayor relevancia en su carrera. El nivel interpretativo de este actor es totalmente plano, de tal forma que se puede decir que se da vida a sí mismo.
Flesh hace honor a su título (Carne) ya que es una película básicamente carnal, en la que se cuenta un día en la vida de un chapero casado con una chica a la que dejó embarazada, y que le anima a salir a la calle a prostituirse para sacar dinero para vivir. Película que da la impresión de que no ha sido montada, sino que lo único que se ha hecho ha sido parar la cámara de vez en cuando para volver a rodar después, ya que al pasar de un plano a otro destaca un destello blanco y se oye un "clic".
Los diálogos además, parecen improvisados, los actores se pisan las frases, tienen titubeos, mientras van apareciendo personajes de lo más pintorescos (un artista maduro que le hace posar desnudo, dos adolescentes gays que se prostituyen en un parque, un amante con una axila quemada por un lanzallamas, travestis, una bailarina de striptease…) Utiliza todo eso para mostrarnos una realidad dura, cruel, sucia, en interiores poco menos que ruinosos o en calles desoladas, dentro de un absurdo general que le da un aire especial a una película que adelanta algunas cuestiones que luego serán la carta de presentación del movimiento Dogma.
En Trash (Basura), ese elemento también será una presencia constante a lo largo de la cinta, en la que Joe (en el papel de Joe) es un heroinómano impotente, cuya motivación es conseguir dinero para meterse otro pico, y vive con Holly, una mujer esperpéntica que busca cosas en la basura, preferentemente muebles. Ambos viven en un apartamento que parece más un estercolero que otra cosa. En esa necesidad de dinero entra a robar en una casa de una mujer casada con un hombre rico, y que sólo está interesada en saber si Joe viola a las mujeres que roba, para pasar luego a pedirle que simulen una violación y cerrar el círculo de demencia proponiéndole un trío con su marido.
Al igual que en Flesh y en Heat, el sexo será un elemento de consumo más, con personajes que hacen el amor sin pasión, de forma rutinaria, como puro ejercicio físico pero sin poner demasiada atención en ello, como una manera de romper con el aburrimiento general. Sexo desolado y desolador, utilizado como medio para conseguir un fin (dinero, recomendaciones, trato de favor…), en unas historias en las que los sentimientos no tienen cabida.
Joe sigue siendo un semental sexual en Heat, película que ya no está rodada en Nueva York, como las dos anteriores, sino en Los Ángeles, y ya es una película al uso, con sus créditos, su montaje, un guión algo más elaborado y, sobre todo, más luminosa, con exteriores en los que brilla el sol.
Joe es una ex estrella de la televisión y una más que fugaz estrella musical, que llega a Los Ángeles en busca de trabajo y sin un centavo en el bolsillo, por lo que utilizará sus encantos sexuales para que la casera le haga una rebaja en el alquiler. Luego conocerá a una ex actriz que hizo carrera gracias a su cuerpo, y que ahora vive olvidada por todos en una gran casa de uno de sus ex maridos. Joe se acuesta con ella creyendo que puede presentarle a personas importantes de la industria, para abandonarla sin ningún rubor cuando se de cuenta de que no puede ayudarle en nada. Al mismo tiempo, se habrá acostado con la hija de ella, una psicótica que tan pronto es lesbiana como deja de serlo.
sin duda es cine experimental, parte de la volada de Warhol y su socio Paul Morrisey, pues Flesh pareciera filamda de una sola vez, solo con pausas para mover la camara de lugar, ademas la presencia de Joe Dallesandro es totalmente plana, carece de matices y solo es su fisico el encargado de daarle esa rememoranza a su actuacion, de la asociacion Warhol-Morrisey me quedo indudablemte con con Blood For Dracula, de culto y entretenida.
Para concluir el tema, les diré que Carne -la argentina, obvio- me parece una película arriesgada, la región 4 de un clásico del cine. Las actuaciones son torpes muchas veces y el drama es lacrimogeno, pero no por eso satisfactorio. Una lastima. Por cierto, ya se que lo has de haber deducido. En efecto, armando Bo se fusilo el Guion sin pagar UN MISERO PESO por ello.
Aquí el reparto:
Carne
Director: Armando Bo
Escritor: Armando Bo
Lanzamiento: 1968
IMDB: 6.9/10
Intérpretes:
Isabel Sarli
Delicia
Víctor Bó
Antonio Aicardi
Romualdo Quiroga
Humberto, "el macho"
Vicente Rubino
Homosexual
Juan Carlos Altavista
José García
Alba Solís
Obrara canta tangos
Oscar Valicelli
Jacinto
Pepita Muñoz
Cuando uno se topa con una foto de este madrileño, puede estar bien seguro que está viendo algo más que una fotografía, está viendo arte (por si todavía hay alguien que piense que la fotografía no es arte), está contemplando un universo complejo en el que se dan la mano en un continuo fantástico la pintura, la arquitectura, la moda, la fotografía, por supuesto, lo escenográfico de tal forma que tan solo le faltaría la música o la palabra para que fuera una obra de arte total.
Como buen fotógrafo de moda, la mujer ocupa un papel fundamental en su obra, unas mujeres que, a veces, están como ausentes, otras veces nos desafían con la mirada, con las poses de unos cuerpos que no parecen pertenecer al mismo universo en el que nos movemos los demás, pero que también muestran la desolación. Mujeres que transmutan su carnalidad en maniquíes plásticos o en mármoles que nos recuerdan la estatuaria clásica, a pesar de lo cual no renuncian a la sofisticación. Otras veces son niñas, muñequitas o tiernas lolitas, casi seres salidos de lo profundo, echas con la materia con la que se hacen las pesadillas o los sueños más desasosegantes.
Mujeres que guardan una fuerza telúrica, primigenia, esa que está en el origen del todo, y que por eso también son capaces de amar, de tener amores furtivos al pie de una vía de tren más allá de la cual nada es posible. Féminas que tienen amantes que huyen por los tejados, que protegen a la dama en frágiles aleros, tan fríos como la noche. Tejados que son testigos de encuentros furtivos, clandestinos en pasillos que no conducen a ningún sitio y que dejan a los protagonistas a la deriva, en noches cubiertas por un piadoso manto blanco.
En ocasiones coloca a sus figuras en interiores barroquizantes, exagerados, con una enorme profusión de detalles que recuerdan a los interiores de la pintura holandesa barroca (sin olvidarnos de Caravaggio, Vermeer, El Bosco o Friedrich), y exteriores luminosos a los que también dota de un punto de desolación. Son desiertos en los que incluso se desata la violencia, caminos que tienen destinos inciertos. Cruces y candelabros judíos que conviven en un sincretismo de creencias, tendencias en un mundo donde todo se confunde y pocas cosas aparentan tener sentido.
Atmósferas con un punto de irrealidad o, casi mejor, una realidad trascendente, a medio camino entre lo surrealista daliniano y lo metafísico de Giogio De Chirico. Algo a lo que también contribuye el hecho de convertir a los cuerpos en escorzos que rozan todos los límites, mientras otras veces se trastocan en autómatas perversos.
La noche, la luna, los pájaros, vienen a completar un universo onírico, en el que también tiene cabida el misterio de oriente y los paisajes postindustriales a lo Blade Runner, que también pueden ser la Metrópolis de Supermán o la Gotham de Batman, con el cine negro, los cuentos infantiles, aquella publicidad ingenua de los años 50 o una visión caricaturesca de los cómics de superhéroes. David Lynch, Kubrick, Kim Ki Duk, son otros de sus referentes cinematográficos contemporáneos.
